http://artesvisualeslizeguia.blogspot.com/

Dibujos de Iván Gardea

Para ver la presentación hacer click en el siguiente link:

http://docs.google.com/Presentation?id=dd5ggfvk_29c8cvp9xc

Escultura de Miguel Ángel Madrigal (Presentación)

Acceder:

http://docs.google.com/Present?docid=dd5ggfvk_15hbpkgtgz

Torsiones

Debatiéndose entre el mundo de la pintura, el dibujo, el grabado y la escultura, Abel Sotelo encuentra su hogar en la interpretación expresionista de la forma, la cual se traduce por medio de machas perdidas y líneas rotas en el blanco del lienzo y el vacío del espacio. 

El artista posee una gran conexión con el medio, el material, la pasta que reanima el acto del oficio.

Su camino ha sido guiado por su evidente sensibilidad y su profunda conexión con la naturaleza, en especial con los cinco elementos. Se apropia de la tierra, creadora de vida y nutriente de su cosmovisión. Es posible observar la presencia orgánica en cada elemento así como la riqueza compositiva y la cuerencia cromática de las formas.

Abel Sotelo muestra en su última exposición "Torsión" , el resultado de su percepción ante las circunstancias de la vida "En el mundo en el que vivimos, el espacio te condiciona, te confronta a contínuos cuestionamientos. Por un lado, una sociedad que demanda presencia y participación, por otro lado la necesidad de habitar un espacio personal, que te permita restaurar la sensación de unidad. Son tensiones que activan los instintos, y se convierten en torsiones en busca de equilibrio"

A través de la intensidad del color, la plasticidad de las formas y el íntimo contacto con el material, el artista crea un juego dinámico que contextualiza su procupación personal llevando lo terrenal y matérico al mundo espiritual.

Laura Karina Kobeh 

Al encuentro del último sol

La lección de vuelo del último sol consiste en que la libertad es el centro de toda creación poética. Ningún espíritu es tan esclavo de la libertad como el espíritu poético. Llegados al punto de la verdad, es necesario librarse no solo de toda función utilitaria (Algo queda siempre – esperanza venal del poeta – disfrazada de “fama” o “infamia”), sino despojarse también de las normas formales de lo que pasa por buen gusto y deconstruir completamente la operación descriptiva que técnicamente esta entretejida en toda imagen fotográfica.
“Siete” Mapas de Contorno (fragmento), El último sol.

Como de todos los viajes que han sido para plagar la historia de lo que es poesía, de lo que es imaginario, de todo lo que se percibe como maravilloso y verdadero dentro solo para alguien, si tan afortunadas los miles de cuentos, de relatos eternos e inmutables dentro de todos; de encontrarse sabiamente el momento antes de la caída al último instante en que se les va la luz, y se les hace constante la sombra. Capturados, a los motores perceptibles de cada impaciente observador que se sabe en el momento privado de las imágenes.

Originario de la ciudad de México, nacido en 1943, formado como fotógrafo a partir de los libros y la experiencia, de hacer a su cámara para la foto de moda, del erotismo y de la magia visual de la que necesitan los discos. Ricardo Vinós cuenta con una trayectoria fotográfica extensa y nutricia, de diversas exposiciones en solo y colectivo; series de historias es lo que encuentro en las fotos que componen su extensa carpeta, llenas de alquimia precisa, en incendios, de entre santos, registros del exilio los personajes que fueron captados haciéndoles longevos. Secuencias, fotografía del cine, del rock, de un momento clave entre las piernas entaconadas y enmalladas siempre sensuales lo dicen todo.

Reconoce Ricardo Vinós el destino último de los fotógrafos en el libro, El ultimo sol, es el libro de las fotografías, que encontraron forma junto con las ideas escritas del autor; acompañándoles afortunadamente, completándose y haciéndose fieles a encontrar y alegorizar dentro de su más acertada comunión, lo que resuene con cualquiera que encuentre algo grave o delicado en ocho partes, inauguradas cada una por el lenguaje visual y escrito del fotógrafo, seguidas por el rastro de imágenes hacia la siguiente experiencia, o momento intimo que lo enmarque todo otra vez en letras e imágenes.

Son lecciones personales, memorias y sutilezas, de la aventura de quien gusta agarrarse como “tornillo ardiendo a la fotografía,” y así arreglarse la vida. Como gustoso señala Vinós, reflexionando sobre lo que después de diez años de experiencias fue la realización del libro, el ejercicio libre de la fotografía -y la historia con este-, se inauguran con el viaje a Chalma acompañado el protagonista por Malintzin, para interpretarlo todo tal vez. Fue escrito y ejecutado el oficio fotográfico de este trabajo hace ya veinticuatro años en el verano de 1983 y 1984. Su realización se empalma ya con los recuerdos y las experiencias del autor, y se sabe como un buen acontecimiento ese regreso.

El libro invita a la reflexión del último momento, y a encontrar los miles que pueden suceder como soles que se ocultan; las percepciones de cada página, que están bajo este símbolo del último sol. Y que con gusto de oficio hace grata la experiencia de encontrarse con las atenciones de quien le hace, con estas precisas fijaciones de la intención, hacia reconfigurar una realidad en una historia nada literal y hacerle así más fértil, en el terreno del imaginario.

Ahogado, como todos, por el peso asfixiante del cadáver del mundo, logré al fin ver que, sucedió el diluvio, todos somos carroña, pasto de los buitres. Mis fotos serán zopilote espiritual, necesario para devorar el cadáver del mundo –y acabarlo de matar- y para pasar el tiempo o lo que pase entre el último sol y la oscuridad final.
“Tres” El libro del último sol (fragmento), El último sol.

“El fotógrafo es un poco otra cosa dentro de las maneras de hacer arte”, Ricardo Vinos encuentra en el que entienda este oficio, como haciendo de algo diferenciado de un artista, aunque en esencia es lo mismo, una técnica, un modelador de sombras, compositor de elementos y de eventos, haciéndose a pesar de esto, el que es algo diferente por manejar el artífice aparato de las capturas del mundo en imágenes; olvidemos si son fieles a este espacio en que coincidimos todos, las piezas que salgan en la acción de hacerse cautivador de luces, son más bien concordantes con la voluntad del que las hace en papel más duraderas.

Rigiéndose por los deseos que permiten hacerse al conocer el lugar seguro y sus artimañas, en que la luz es propicia para comenzar el ritmo de los tiempos, las alteraciones de los químicos, de vidrios, de intensidades, acentos. Encontrar el ahora monocromo momento de todo esto, sacando de este sus máximas sutilezas al ojo, dejarlo como objeto de apreciación y desafío, es mucho ser un artista el fotógrafo por todo esto pero aun así, es otro, un buscador preciso, de esencias, sutilezas que se acerca a los personajes que convivieron y les hiso la posibilidad de ser repetidos tan tal cuales como sea el capricho, y contextualizados también según sea este.

Es grave la tarea escogida por el que decide portar la cámara y hacer sus disparos, sacar de entre la rareza, ahora ya cotidianizada de lo que es la imagen, ya pisoteada y humillada, con las vulgares utilidades que se le da a la fecha; una que decida conectar con el sentimiento generalizado, con el inconsciente atascado de mitos, de lo que es Malintzin para cada uno; encontrando las propias de las luces refractadas en ella, en su tan gris, blanco y voluminoso cuerpo, tirado en el colchón, ¿soñando?, sabiendo del fin del mundo. Haciendo una vez más la invitación a seguir leyendo el siguiente entramaje, de identidad, deseos, “la canción precisa y el poema de la aleación” quiere el autor saberse cuando llegue la carta.

Las fotografías construyen el dialogo por sí mismas, señalando la colonización, la que dejo de creyentes a muchos en el sincrético escombro de varios dioses, santos, ahora inertes varios de ellos en estampas capturadas dentro de las estampas del autor, inertes para poder ser contempladas, pero dinámicas dentro de “el gran luchador”, o en cualquier mexicano que haya sido capturado sus restos en el cementerio, o de su distracción entre el bullicio de las calles; clamados por la llorona los hijos de la patria hacia el morir para ver algo nuevo. Afortunado el día en que se dio el salto a la barda, atestiguando los últimos rayos; en la fiesta diaria de la ciudad, en el memorable relato de las ruinas, que ahora se extienden sobre todos, las que ahora tal vez para esta historia ya somos todos, sin ser algo nuevo desde entonces.

El ultimo sol encuentra la afortunada coincidencia, hacia lo que es constante en cada quien, la búsqueda, la intimidad, el anhelo que siempre nos arrima el arte, del que todos esperamos al acercarnos a él, una sola experiencia que exceptué el instante de su visión dentro de las más sórdidas y reales vivencias cotidianas. Así darnos cuenta que la mayoría quiere algo mejor, antes de que se oculte el sol y encuentre su visita la muerte, al temporal, al más placentero digno o visionario, en el que caben los contrarios que hacen el juego de todo momento, como lo es en el arte en la foto capturados.

Quien sabe a dónde van a dar los sueños, ecos dispersados para qué oídos.
Ocho “Luz de Norte” (fragmento), El ultimo sol


Abraham Villaseñor Ramírez

“A Lombardo no le empacha lo quieran los demás”

Aferrarse fielmente a pesar de las circunstancias, al sueño, al gozne encontrado de la creación de innecesarias realidades para todos los que encuentran comunión, en un mundo de racionalidades objetivas. Agarrar en las ideologías de una época el barco adecuado que zarpa con la intención de cambiarlo todo, a partir de las posibilidades que arrojan los otros mundos que aseguran una experiencia más plena, y que va a la contra de lo estipulado para compensarle.

Luis Lombardo encuentra en sus pinturas, en su experiencia como artista el innegable e indeleble transito por los comienzos de lo que parecía ser el cambio de las realidades sociales, experimentadas estas en los 60´s alrededor de casi todo el mundo. Y que han dejado en el artista viéndose desde este tiempo - desilusionado por su pueblo -, que se deja llevar por los mismos caminos de la burla y del gusto por ser engañado, la tristeza de que las cosas no han cambiado en tanto tiempo, es evidente en las platicas con esta persona de contradicciones, como se define a sí mismo el grabador, la nostalgia de las luchas pasadas en pro de realidades más fértiles para el arte y la vida en general, es en donde ahora cavilan sus reflexiones.

Formado autodidacta en el terreno de las artes; de familia de exiliados españoles Luis Lombardo nace en la ciudad de México en 1955, experimentando desde pequeño las realidades de este pueblo mexicano, y las de España, creándole una temprana conciencia política a través de sus abuelos que entre anarquistas y grupos de izquierda encontraron convivencia, de tolerancia y hermandad en este país al que se escogieron exiliar, o que el destino trajo por mar y con esto los cambios, como todos los lugares en que un contexto social rico de ideologías, dejan en los individuos, y en la huella del proyecto de nación, aun indefinido entre la grandeza del mexica y la confusión del mestizaje.

Siempre relacionado con el arte, desde sus padres hasta los enredos que entrama su familia en idas y venidas por los tránsitos mas raros de la vida, ha estado cerca como suerte de cosas a este panorama de visualidades y realidades sonoras, dice Lombardo, “Stan Getz y Charlie Parker fueron el soundtrack de la casa a la que llegaría a vivir”, con su padrastro el actor Sergio Bustamante, dejándole cerca este, afortunadamente, de sus mas excéntricas amistades, personajes como Alejandro Jodorovsky, Leonora Carrington entre otros, dieron cabida en el panorama de su infancia a ser testigo de los más raros parajes de platicas, así como el de la casa de la pintora, de quien Luis construye de sus memorias su obra, su alocada residencia de la que era vecino el impaciente niño, que fuera ayudado en sus tareas por el hijo mayor de la artista.
De las memorias de casa, Luis rescata las que se relacionan con la vida de la pintora, y de cómo dice literalmente, “le volaron la cabeza” el encuentro con colecciones de raros objetos, de flora y fauna, así como también su primer avistamiento microscópico en los misterios de su propia sangre, a los que le acerco Carlos Weisz el hijo de la pintora surrealista, quien doto desde muy chico el imaginario del grabador y pintor.

Define como crucial en su quehacer artístico las experiencias de vida. De las de esa casa que “parecía la biblioteca nacional” y que acercara a otra realidad, así como las que ofrece el México de esa época, en química perfecta con el carácter aventurado y radical del artista, quien se encontrara en problemas con la ley desde muy chico por querer participar, “de ese viento extraño que llego a la ciudad de México en esa época, y que nos puso locos a todos”, dice, “Me detuvieron en el cine Ermita con propaganda de la prepa de Tacubaya, y me llevaron a la delegación, pero le tenía más miedo a mi madre que al azul de la reja”.

Habiendo encontrado alarmante la velocidad con que iba su hijo para con relación a su vida, la madre de Lombardo decide enviarle a Cuernavaca a la casa de sus abuelos para corregirlo, esta, de entre tantas medidas para intentarlo sin remedio a fin de cuentas, son de las muchas experiencias que puede contar; siempre empapadas de la comicidad y de las agudas observaciones hacia la vida y el arte que ha sido su vida, y que han dejado los libros, los viajes de los lugares físicos y los de la psicodelia. Cargada su mochila de Frank Zappa, Captain Beefheart, un paquete de acuarelas, lápices y buena disposición de cambio, se agarro fielmente a sus principios de experimentarlo todo.

Ha participado en su quehacer artístico de diversos proyectos, tanto personales como colectivos, como el proyecto de capacitación emprendido por la Universidad de Guerrero como profesor de Grabado y Pintura, Ilustraciones en libros de Texto así como grandes hazañas del grabado en su taller personal, como la pintura de la carne, del abstracto y del paisaje.

Como ha de recalcar en su persona, “Los contrastes, las contradicciones” le han llevado a incursionar en su obra dejando como hilo conductor el no limitarse por nada, en no encerrarse en un concepto, dice, “Jamás modele mi carrera como artista, nunca fui de los que se querían relacionarse y vender, he encontrado la fortuna de vivir siempre del arte”. Como pintor se ha hecho desde su infancia, y como grabador encuentra su real serlo, hasta el momento de fabricar su primer tórculo, y montar su taller de grafica, “El patito azul” que era algo así como el taller patito y la paráfrasis del Jinete azul, dice Luis de este encuentro verdadero con la grafica.
Las visitas constantes de amigos y compañeros de oficio como Marcos Límenes, Julio Amador, Leonel Maciel y Roger Von Gunten, al patito azul, son algunos de los que han convivido y encontrado coincidencias en su quehacer con Lombardo.

Hablando de crisis, cuenta las de la economía y las del arte, refiriéndose a estas últimas con la oleada de arte conceptual que llegara a México, y poblara todo. “Estoy en contra de los dogmas ideológicos en el arte, son tan irrelevantes esas discusiones… No veo el arte como proceso de exclusión, lo maravilloso de este es que es un espacio para todo, tengo ojos para lo que sea mientras tenga sustancia y calidad, así como no defiendo un mal cuadro frente a una buena instalación, no sobre valoro una pésima instalación sobre de un buen cuadro.”

Creo que en estas líneas, y siendo como testigo fiel de estas aperturas la obra y la vida misma de Lombardo, se encuentra como un artista de cambios, de ideologías bien fundamentadas, y amor hacia la creación abierta del arte; - ¿Cuántos mundos existen en este mundo?, eso me interesa mucho ahorita-, encamina Luis hacia este tipo de reflexiones que considera más importantes a las que dirigen su curso hacia una sola tendencia artística vigente en este tiempo. “Siento que puedes vivir muchas vidas en una sola, siempre con virtudes rectoras en tu esencia del ser humano desde la bondad, virtud y belleza”.

Las posibilidades de la creación artística son latentes en personas de la tradición y de la apertura como lo es Lombardo, quien transitando por lo figurativo las búsquedas espirituales se hacen patentes en esas brumosas escenas, en las que un santo se quema mirando fijo al espectador, invitándole a pensar de sus virtudes y engaños, mientras que Caín y Abel se deshacen el uno al otro echados ya al suelo en pedazos. O con la misma soltura la técnica y del lenguaje se hacen presentes las visiones abstractas en que Luis encuentra el desafía de poner en la harmonía adecuada, los elementos de la pintura mas consiente y así mismo falta de esto.

En estas fechas Luis enfoca su atención en “Los anónimos Prehispánicos”, de los que ahora se nutre para crear, sin olvidar de los placeres de Rembrant, de ¡Goya!, de Massaggio. Esperemos deje mucho mas de que hablar con su obra, y de reír con sus pláticas por mucho tiempo, Luis Lombardo quien cierra la conversación musicalmente recordando a Zappa.

Abraham Villaseñor

Encontrar el centro de los laberintos como carreteras

Las virtudes o miserias de cada quien pueden ser medidas en las atenciones, en los centros de las miradas y los trayectos de pensares alrededor de los variados tópicos, o texturas, o relaciones amorosas, también de las fijadoras tentaciones a las que invita el arte.
Jaime Colín Cruz es un artista de la obsesión, de los tonos, líneas, de las texturas y calidades en las que centra su visión, las que le permite la gráfica. Nacido en el Distrito Federal en 1979, actualmente radica en Cuernavaca. Se acerca al arte primeramente por la Música, intentando tocar varios instrumentos se da cuenta de que como músico no es su camino, aunque siempre es constante su gusto por esta, y en las rítmicas líneas que componen sus obras se encuentra evidente.
Siempre llamado por lo abstracto comienza su proceso de formación en el Centro Morelense de las Artes, así estudia el técnico Superior Universitario, y dentro de todos los cambios que suceden en dicho centro, se termina también la Licenciatura cuando existe la oportunidad en las instalaciones de esta.
Para él cobra más sentido hacer del primer dibujo un detonador, para iniciar series de formas, de constantes, de obsesiones y de gustos en estas, siempre intentando encontrar un centro, partiendo de todas las posibilidades que le dan los materiales que escoge en el primero de los dibujos de la serie. De su primera secuencia de dibujos se encuentran acomodados recortes de papel china, compuestos cromáticamente en el plano e intervenidos estos con diferentes materiales para lograr degradaciones en la homogeneidad tonal del papel.
Siempre observador, Jaime se lanza a cada serie con la experiencia de la antecesora, con alguna sutileza que llamo su atención y decidió continuarla obsesivamente en la forma siguiente de sus fijaciones; como patrones de la naturaleza, encuentran forma laberinticos entramajes de línea, sean en tinta o en grafito, lo que importa es encontrar una calma, “Te quita el pensar de mamadas, te quita pensar en la gran obra y te pone en la idea de ir por un camino, una carretera”. Así Jaime encuentra el sentido en su quehacer, conectando.

De los lugares frecuentes de la introspección, de las sorpresas que se encuentran en estas, siempre se da a la tarea de exteriorizarlas, para después conectarlas con algo que les de tierra dentro del mundo fuera de él; como una necesidad de pertenencia, que se encuentra en todos, lo que remiten las obras de Jaime comúnmente es a esa hipnótica saturación abstracta que se encuentra, acercándose demasiado a algo, disfrutando de sus tonalidades, de sus repeticiones como moldes, los sentidos de red en los que se construye la naturaleza de las cosas, encuentran su manifestación artística, en la monocromática obsesión de Jaime por recrearlas.
Sin pensar abandonar el gusto por la creación artística, sino mas bien conectarse cada vez más a este, Jaime se centra también en las observaciones y acumulaciones fortuitas que se logran “Como en las piedras que parecen esculturas”, que intentan ser recreadas en las obras de papel, de cualquiera que tenga la textura precisa que le satisfaga, y que logre distraer el tiempo de hacer cualquier otra cosa menos real, menos disfrutable.
Jaime ha ganado varios estímulos para la creación, en diferentes instituciones, se ha abierto paso con su talento, que le ha permitido crearse una trayectoria joven y segura.

Abraham Villaseñor

Figuraciones del pincel, con los pies salidos debajo de la cama.

De la historia de la humanidad se entiende dentro de esta la del arte, pero se diferencía de ella, se hace sola y autónoma, por contener de las grandes proezas del hombre, las mejores, las que dictan la buena hora, la más cruda y verdadera para con las realidades de las que nos hacen a la fecha. No hay victoriosos o perdedores como la historia de los hechos, de tecnología, de grandes batallas, a veces sin sentido y se hacen fieles a su tiempo y a sus principios la historia de los hombres que plagan los museos, de los reconocidos y de los olvidados, de los anónimos, quienes dedicaron con devoción a la hora de hacer, lo único que encontraban con sentido.

Entender el porqué se sienten las preferencias en las posibilidades a la hora de crear la obra es imposible, cada hombre contiene sus historias propias, sus vivencias cercanas que le hacen. Para manifestarlas y hacerlas extensión de sí mismo, pero solas, aparte del creador pocas veces se logra con la certeza de manifestar una realidad visual. El transito como pasajero por el signo de la época que nos toca vivir determina en gran medida de las posibilidades creativas, Juan Batta, crea lo que ve como deseo, “Yo quiero eso y la pintura es un método para apropiármelo” es lo que menciona como parte significativa, y más acertada cuando lo crea es pintura realista.
Originario del Distrito Federal y viviendo ahora en el centro de Cuernavaca, Juan hace de sus encuentros casuales con cosas que le encantan, de su manera de hacer pintura; oficio de familia, con ambos padres pintores, su infancia se hace plagada de dibujos, modelitos de personajes y el gusto por no parar de hacer lo que le dicta su imaginación.
En un primer proceso creativo, Juan ilustra sus fantasías muy a la manera de comic, con la estética caricaturesca de sus primeros monstruos se deja ver lo que es para él, un trauma televisivo, tanto de constancia como de acercamiento vivencial, transformándose a sí mismo en el freak show de un programa infantil, ayudado por las miles de miradas, odiando de esta manera su habilidad modeladora, y dejándole por un sano momento de convivencia con el dibujo y el cromo de los pigmentos.

Batta quiere crear de sus pinturas el momento intimo, el que transmite la necesaria soledad que empuja dentro de las crisis personales hacia los nuevos lugares, menos abandonados, mas nostálgicos, como se hace consiente el mismo de dicho sentimiento de la época. “Todo ha sido orgánico no lo pienso, no lo intelectualizo me pide todo la misma obra y dentro de eso esta la nostalgia”, y en las exigencias sabe cumplir al lienzo y dejar como testimonio de eso, los objetos mas íntimos, los lugares más cercanos, que se pasan a la vista por el cotidiano del saturado panorama.
Encontrar las sombras precisas la luz modeladora del todo y sacar de esto una buena imagen que ayude a la creación de otra, es hacer doble oficio, el del fotógrafo y el del pintor, y armar de entre ambas una sola realidad, figurativa, realista, pero no por eso trillada o angustiosa como muchas veces se parece todo, fuera de los grandes sucesos del forje interior.
“Lo mío es lo que hago en el momento, ya después no me importa” no por eso desatendido de las responsabilidades de decir, sabe cuál de sus piezas es la que más se hace uno consigo mismo, y cual, de entre los pies salidos debajo de la cama amerita una sola frase para completarle y convertirle en una obra propia que lo coloca en la posición de la incertidumbre de intentar vivir por la pintura y para esta.
“Vivir en el arte es vivir al filo de la navaja, sin tener nada seguro”, y aun así seguir haciéndolo y encontrarle sentido por creer que no hay otra cosa que hacer, es como lidia con el peso de los pensamientos dirigidos a uno mismo; de las interesantes platicas que se pueden tener con él, las sabe como modeladoras de su persona, como nutritivos encuentros para los adentros que dejan con ganas de mas a pesar de las intimidaciones de hacerlo.

Abraham Villaseñor

Eduardo Castañeda

La obscuridad y la melancolía se funden en el trabajo de Eduardo Castañeda.  Artista visual nutrido por las expresiones del Punk, el Kitch y el Pop. 

Su búsqueda no existe dentro de la forma ni el fondo de la obra. Habita en la dimensión indefinible de los sentidos y sentimientos. Existe únicamente en el grito interno, la expresión de dolor e ironía. 

A través de coloridos autorretratos y obscuras interpretaciones, el artista abre las puertas al mundo de lo que existe más allá del fondo y la forma.

Ganador de la Beca foeca 2007, con un proyecto fotográfico que exponía la violencia en la mujer. 

Laura Karina Kobeh Sousa

Las pasiones, Bill Viola

Bill Viola es uno de los artistas más importantes del siglo XX, pues encontró un lenguaje propio y se convirtió en critico de su época, es un inventor de la mística y la magia del video.
Bill Viola es un artista bastante completo y multidisciplinario pues trabaja el video arte, la instalación y se preocupa por la parte más importante del proceso creativo que es el montaje dándole un giro escenográfico a su obra.
Su sensibilidad con el arte antiguo surgió cuando la National Gallery de Londres expidió una invitación para reinterpretar las obras de su colección, de la cual Bill Viola escogió el Cristo encarnecido del Bosco. Gran parte de sus videoinstalaciones son inspiradas de pintores medievales y de artistas de los siglos XV y XVI como Durero y Masolino.
Su obra más destacada, la serie de trece videos llamadas las pasiones es una reflexión épica sobre el devenir de los ciclos de la naturaleza. El origen de dicha obra se remonta a 1998 cuando se unió a un cuerpo de investigadores que estudiaban la representación de la pasión en la historia del arte y debido a sus circunstancias personales, pues a la muerte de su padre, Viola tubo la necesidad de mirar en los pintores del pasado el tratamiento de las emociones y poder plasmar su dolor. “Nosotros existimos para inspirarnos los unos a los otros y en este sentido puedo tomar la inspiración de los artistas del pasado. En un continuo de inspiración, y en una época de la propiedad intelectual, de las ideas, creo que el arte de compartir es colaborar entre todos”.

ROSIBEL LÓPEZ.

Xolotl Polo

"El límite es la puerta a lo desconocido, donde sólo hay cabida a los hombres que se encuentran despojados de su dignidad. Es el límite donde encontrarás la desnudez, donde sólo hay la obscuridad previa a la luz de un nuevo amanecer o de una muerte certera"  

  Xolotl Polo

Xolotl Polo es un acuarelista contemporáneo cuya intensidad se devela a través del color, la fuerza y la obscura complejidad de la  figura humana.

 Su interés primordial es romper las fronteras que dividen al pasado con el presente y al de aquí, con el de allá.

 Inicialmente, sus obras eran reflejo de la identidad mexicana. Ahora, el artista trasciende a un plano aún más abstracto, profundo y emocional. 

Laura Karina Kobeh Sousa

Roger Von Gunten


La pintura es signo poetico, todo en ella permanece y se transforma. El atre de Von Gunten impresiona, domina nuestra mirada por su espacio imaginario: mas que acrilicos sobre multiples materiales, sus cuadros son la pintura misma.


El Salto por el Pez
Acrilico/ papel 56/66 cm 2001

El arte de Von Gunten brota: es vision de la memoria, cada forma parte de cierto equilibrio. Diria Baudelaire: el equlibrio es forma viceversa. En la obra de este pintor encontramos la reinterpretacion en el uso del color, de la composicion. En esta idea de la creacion y de la pintura en relacion con la estetica, con lo bello y lo sublime. Von Gunten nombra, disuelve imagenes en el espacio; no traduce, profana.
La pintura de Roger Von Gunten es y siempre ha sido una busqueda interna, espiritual, simplemente un anhelo de verdad.

Reseña del articulo Miguel Angel Muñoz.

Alfonso Anastacio

Paola Cisneros

Fotógrafa.

El trabajo mas reciente que hago, consta en registrar a través de la cámara el entorno cotidiano donde vivo.
No me preocupo por alterar las escenografías, sino más bien crear espacios imaginarios utilizando pocos elementos.
La fotografía me da la posibilidad de poetizar los ambientes seleccionados, a partir del dialogo de mi propia mirada y la realidad concreta.

Me interesan los temas como el abandono y la desolación que pueden llegar a transmitir desde un gesto, una mirada o una habitación.

Escudriñar al otro por medio del retrato, es un camino por donde se han colado muchos otros; el tema de la vejez y la íntima relación que une a personas y objetos me han cercando dentro de un marco de “casas y habitaciones”.

Me gusta retratar a las personas no para ver como son , sino quienes son , una de las formas en que esto se revela es mirar su rutina , sus modos de hacer y sus gestos , los que se repiten y dejan surcos de tanto usarse ; las arrugas no son mas que las marcas de unas viejas expresiones .

Me gusta como la gente se va haciendo dueño de una estética personal que engloba su entorno, tanto los vestidos que usan, lo que guardan en sus “azoteas” o el color de su casa.

Bill Viola (Reseña)

Como todos sabemos, la tecnología ha tenido un gran avance desde la revolución industrial, hasta nuestros días. Tal ha sido este impacto, que ahora, se encuentra mezclado con el arte.
Como es el caso del cine y/o video, que no solo se muestra como tal, si no también, video-instalaciones y/u otras formas de mezclarse; tanto en las artes visuales como en las artes escénicas.
Bill Viola, artista Norteamericano (New York); es un artista que experimenta el video y las artes escénicas, profundizando la vinculación con la historia del arte, la espiritualidad y la percepción.
“Para mí la cuestión crucial fue el proceso de dominar el sistema electrónico. Me di cuenta que la señal electrónica era un material con el que se podía trabajar. La manipulación física es fundamental en mi proceso de pensamiento. Nunca he pensado el video en términos de imágenes, sino como un proceso electrónico, como una señal…”- Bill Viola.
Cabe señalar que no solo es una simple experimentación, Viola, se propone a mostrarnos gamas de emociones: desde la risa al llanto, de la tranquilidad al desquicio. Se preocupa por mostrarnos al ser en sus estados naturales. Así viendo un gran manejo en el video, logrando un despertar en las emociones.
“Esta depende de que se trate de un trabajo que refleje una emoción individual o una emoción colectiva. La diferencia esta entre la escala personal y la escala social, o mejor dicho, entre lo interior y exterior“. -Bill Viola.
Así es como Viola nos sumerge a mundos, donde se crean emociones, sin dejar de percibir una atmosfera sobre natural, bajo la influencia de los artistas del siglo XV y XVI.


Itzel Ponce Santiago

Jose Maria

Artista Visual.

Lugar de Nacimiento: Cuernavaca. Mor.

Su Obra: Mediante el video arte y la fotografía experimenta la creación de símbolos y signos que configuren un alfabeto abstracto.

Actualmente estudia la Licenciatura en Artes Visuales en el Centro Morelense de las Artes, centro en el cual a participado en diversas exposiciones colectivas.

ROSIBEL LOPEZ GOMEZ

Magali Lara

MAGALI LARA (Margarita Rosa Lara Zavala)
Nació el 5 de noviembre de 1956 en la ciudad de México.
En 1976 ingresó a la Escuela Nacional de Artes Plásticas mejor conocida como San Carlos
para estudiar la carrera de Artes Visuales.
Pertenece al Sistema Nacional de Creadores del Consejo Nacional para la Cultura y las
Artes desde 1994.

Es pintora porque le preocupa
el color y la sensación, pero siempre se a mantenido afectada por el arte
conceptual, con el cual se identifica mucho más que
con otras tendencias. Se interesa por las ideas generadas a partir de la relación
entre imaginación y verdad. Ha cruzado la frontera
entre pintora, artista gráfica y artista no objetual con
cierta libertad porque ella cree fielmente que los artistas tienen el derecho a reinventarse
todo el tiempo sin dar demasiadas explicaciones,
aun que a ella le agrada explicarse. Se mantiene atraída por los pequeños objetos cotidianos y la intimidad que uno genera con ellos, desde cómo se sostiene una taza de café, qué hábitos tienen las perdonas para colocar el cepillo de dientes, etc. Es como
un lugar condensado en tiempo, y un tiempo que se va gastando porque esto se repite todos los días, lo cual lo vuelve importante. Todo su trabajo tiene que ver con la intimidad, con la dificultad
y la felicidad de la intimidad. Los formatos grandes sirven para proyectar esa fuerza del cuerpo que la mantiene fascinada y aterrada. La cuestión de la proporción es un tema que la apasiona. ¿De qué tamaño es lo monumental? ¿Dónde empieza lo minimo?

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EXPOSICIONES INDIVIDUALES (SELECCION):
2007 Alzheimer, Galería del Centro Morelense de las Artes, Cuernavaca, Morelos.
2006/07 ALZHEIMER, Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, Antiguo
Palacio del Arzobispado, México, D.F.
2006 PERO NO ME DIGAS, Museo de Arte de Zapopan, Zapopan, Jalisco.
TIGRE, Galería Nina Menocal, México, D.F
LA MISMA HABITACION, Galería del Teatro José Peón Contreras, Mérida,
Yucatán y en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca.
2005 ABSTRACTO, Galerie Ruta Correa, Freiburg, Alemania.
ABSTRACTO, Embajada de México en Berlín, Alemania.
2004/05 MI VERSION DE LOS HECHOS, Museo Universitario de Ciencias y Arte MUCA,
México, D.F.
2004 LA PIEL DESPUES DE LOS CUARENTA, Galería Emma Molina, Monterrey,
Nuevo León.
LOS OJOS NO, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
2002 ALIEN, Espacio Aragón y León 21, Cuernavaca, Morelos.
SATORI, Galería Nina Menocal, México, D.F.
2001 CAFÉ, Entre Estudio y Galería, Puebla, Puebla.
ALIMENTO, Galería Emma Molina, Monterrey, Nuevo León.
2000 ALLÁ, Galería Nina Menocal, México, D.F. y Centre Culturel du Mexique, Paris,
Francia.
TACTO, Galería Manolo Rivero, Mérida Yucatán, México.

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EXPOSICIONES COLECTIVAS (SELECCIÓN)
2007/08 PRINCIPIO DE INCERTIDUMBRE, Centro de las Artes de Monterrey, Fórum
Universal de las Culturas Monterrey 2007. N.L.
2007 MACO, México Feria de Arte Contemporáneo, Galería Emma Molina, México,
D.F.
LA ERA DE LA DISCREPANCIA. Arte y cultura visual de México 1968-1997,
Museo Universitario de Ciencias y Arte, MUCA Campus, México, D.F.
SOLOS JUNTOS, Galería La Refaccionaria, México, D.F.
ARCO 07, Galería Emma Molina, Madrid, España.
2006 GENERACIÓN DE LOS 70’s UN MOMENTO DE REFLEXION, Academia de San
Carlos, México, D.F. y en la Universidad de Colima, Colima, México.
ARTSPACE, Galería Ruta Correa, Frankfurt, Alemania.
ARCO 06, Galería Emma Molina, Madrid, España.
2005 WUNDERKAMMER II: Paisajes, Galería Nina Menocal, México, D.F.
MACO, Galería Nina Menocal, México, D.F.
ARCHIPIELAGOS GRAFICOS, Galería Metropolitana, México, D.F.
2004 30 AÑOS DEL MUSEO DE ARTE CARRILLO GIL, Museo Carrillo Gil, México,
D.F.
TIEMPO EXTRA EDITORES, Galería de la Secretaria de Hacienda y Crédito
Público, México, D.F.
ARMORY SHOW, Galería Nina Menocal, Nueva York, E.U.A.
MEXICAN REPORT, Blue Star Contemporary Art Center, San Antonio Texas
E.U.A.
2003 CONTEMPORARY ART OF MEXICO, Nothern Michigan University of Art
Museum, Michigan, E.U.A.
MEXICO ILUMINATED, Freedman Gallery, Reading, Pennsylvania, E.U.A.
MONOTIPO II, Galería López Quiroga, México, D.F.
2002 AUTORRETRATO, Centro de las Artes, Monterrey, N.L.
2001 PROPUESTAS CARDINALES, Museo Amparo, Puebla, Puebla y
Centro de las Artes, Monterrey, N.L.
MIRADAS CRUZADAS, Centro Cultural Santo Domingo, Oaxaca, Oaxaca.
2000 VOCES VISUALES DE MÉXICO, Museum or Latin American Art,
Long Beach, CA. Mexican Cultural Institute, Washington, DC, E.U. y Centro
Cultural Tijuana, Tijuana, B.C., México.
HOMENAJE AL LÁPIZ, Museo José Luis Cuevas, México, D.F.
PARADIGMAS, Galería de la Secretaria de Hacienda y Crédito Público, México,
D.F.
QUAND LES IMPOTS DEVIENNENT, Centro Cultural de México, París, Francia.
SABROSA, Jardín Borda, Cuernavaca, Morelos.
6º. SALON DE ARTE BANCOMER, Centro Corporativo Bancomer, México, D.F. y
varios sitios en provincia.
OBRAS SOBRE PAPEL, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, N.L.
TALLER TIEMPO EXTRA, Facultad de Artes y Letras, Universidad de la Habana,
Cuba.
POESÍA ORGÁNICA, Galería Mexicanos, México, D.F.
20 JAHRE GALERIE RUTA CORREA, Galería Ruta Correa, Freiburg, Alemania.

ROSIBEL LÓPEZ.

Xolocotzin Eligio Elias Paracelso.

Xolocotzin Eligio Elias Paracelso.

Nació en la ciudad de Cuernavaca, Morelos, el 5 de febrero de 1981, realizo sus estudios en la Lic. Artes plásticas con una especialidad en Escultura, en la Facultad de Artes De la Universidad Autónoma del estado de Morelos. Actualmente estudia la maestría en Historia del arte contemporáneo en la misma universidad.
Participa en el Proyecto de improvisación sonora con herramientas electrónicas “ecuación diferencial”, www.myspace.com/ecuaciondiferencial y de manera individual en el proyecto “Kid-Mantekaz”, www.myspace.com/kidmantekazkidmantekaz.

Su obra en general trata sobre los sonidos y su relación con el espacio y como a partir de una partícula no visible se puede crear todo un universo. El aire en si se ha convertido en el lienzo de trabajo de Xolocotzin Elias, su trabajo adquiere importancia a partir de la premisa que el sonido no tiene limites espaciales y puede ir tan lejos como el espacio se lo permita; así mismo el trabajar con video es otra herramienta que le permite crear universos mentales y ciudades invisibles.

Still para la Association of Contemporary Art en Italia.

Ejercicio el cual consiste en realizar un video en

60 seg para hablar de la individualidad personal y la

relación con la música.

En su video Xolocotzin transmite la relacion que

tiene con los sonidos abstractos,

la cual es de un constante movimiento,

para el los sonidos compenetran el cuerpo humano

hasta hacerlo danzar de manera inconciente.

Exposiciones Individuales:

KID-MANTEKAZ. Feria del libro universitario, UAEM Morelos, marzo 2007.
KILL MYSELF. Exposición permanente on line. http://xololoy.hi5.com
Tepito. H. casa nacional del estudiante, DF. México. Junio 2005.
Pretoria. Zarco galeria-taller. Cuernavaca Morelos México. Marzo 2005.
Machine against Human beings. Fac. De Ciencias químicas e ingeniería de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos, Noviembre 2002.
Enter. Estudio de Magali Lara, Cuernavaca Morelos. Noviembre 2002.

Exposiciones Colectivas:

Torneo Escuderías IV, “coagulos” de Crhs Galarreta, Centro Cultural España, Df, Mexico, Febrero, 2009
MOD. Monitor Digital, Guadalajara, Jalisco, Mexico, Noviembre 2008.
FATICART, Sguardi Sonori 2008, festival of media and time based art, Italia 2008.
Ecuacion diferencial (on live), CIRCUITO 0.1, Morelos, Mexico, Mayo 2008.
Ecuacion diferencial (on live), C.C.U, Cuernavaca, Morelos , Mexico, Feb. 2008.
Ecuación diferencial (on live), Aloha Bar, Cuernavaca, Morelos, México. Ene. 2008.
Ecuación diferencial (on live), Aloha Bar, Cuernavaca, Morelos, México. Dic. 2007.
Ecuación diferencial (on live), trasmisión radial 102.9 Universal fm, Cuernavaca, Morelos, México. Agosto 2007.
Ecuación diferencial (on live), Centro Morelense de las Artes, Cuernavaca, Morelos, México, Noviembre 2006.
Taller Automotriz. Paseo del conquistador #218, Cuernavaca, Morelos, México, Julio 2006.
Ecuación diferencia (on live), festival de las artes, UAEM, Cuernavaca, Morelos México, junio 2006.
SONOM 2006. Festival internacional de arte sonoro Monterrey, Monterrey, México. Mayo 2006.
Código Local. Centro Cultural Muros, Cuernavaca, Morelos, México. Mayo 2006.
KAU. Casa emergente, Cuernavaca, Morelos. México. Mayo 2006.
Presentación del taller-Experimentación e improvisación sonora con herramientas electrónicas. Con Rogelio Sosa, CENART, DF. México. Septiembre 2005.
NORTEARTE. Festival de culturas emergentes, Chihuahua, Chihuahua, Mayo 2005.
PLAYeras. ZARCO galería taller, Cuernavaca, Morelos, Mex, Febrero 2005.
Colectiva. LAALvaca, Puebla, Puebla, Mex. Noviembre 2004
TO2ONADI3.04, Festival de música y arte multidisciplinario, Puebla, Pue. México. Septiembre 2004.
Emplazamiento. LAALvaca, Puebla, Puebla, Mex. Agosto 2004
CR (Contenedor Residual), e21, Cuernavaca, Morelos, Mex. Junio 2004.
Centro Periferias , (mac04) UAM-X, Xochimilco, Edo. De México Mayo2004.
C2 (Contenedor 2). , E21, Cuernavaca, Morelos, Mex. Abril 2004.
Tiposonora. E21, Cuernavaca, Morelos, Mex. Diciembre 2003.
Usted esta Aquí Por algo. UAEMorelos, Cuernavaca, Morelos, Mex. Julio 2003
El rector es inocente. E21, Cuernavaca, Morelos, Mex. Febrero 2003.
Cadáver exquisito. E21, Cuernavaca, Morelos, Mex. Febrero 2003.

ROSIBEL LÒPEZ.

kaosnauta

viernes 13 de febrero de 2009
KAOSNAUTA


Nace el 6 de Febrero de 1975, actualmente reside en Cuernavaca Morelos.
Comienza trabajando con el concepto “El Atractor” hace doce años.
Más tarde comienza a investigar nuevas formas de creación, a partir de la geometría fractal.
Esta geometría fue definida y bautizada en el año de 1975 por el matemático Benoit Mandelbrot y formalizada por el matemático Michael Barnsley creador del Teorema de Collage que está soportado a partir de un Sistema de Funciones Iteradas. Su trabajo visual esta sustentado en los Sistemas de Funciones Iteradas (SFI) (IFS en ingles) que permiten generar estructuras muy diversas para crear andamios que posteriormente son retocados y coloreados, todo a partir de la computadora y en otros casos aplicando tecnicas tradicionales.
La obra visual en su totalidad es digital, impresa al final en papel fotográfico de gran formato.



Su meta es dibujar a partir de esta geometría, en específico con los Sitemas de Funciones Iteradas creada por el matemático Michael Barnsley.
Uno de los objetivos de Jorge Garibaldi es ver el alcance y los límites de esta geometría para generar patrones que se asemejen a cualquier cosa que exista en el cosmos y representarlo en imágenes de dos dimensiones.

En una entrevista con el autor, explica en sus propias palabras:

“El interés que tengo por el arte y la ciencias exactas me ha llevado a interactuar con estas disciplinas, haciendo proyectos simbióticos para representar y entender el universo al que pertenecemos, enfocándome más en el sentido de la vista, creando mundos geométricos imaginarios como metáforas del cosmos”.

Mi obra esta soportada en la geometría fractal, que se define por ser una estructura geométrica autosemejante, esto quiere decir que si se toma una porción de cualquier tamaño de esta estructura, ésta siempre será semejante al total o con otras palabras, contendrá la información suficiente para generar la estructura total. Los fractales pueden definir las formas en la naturaleza como por ejemplo: nubes, montañas, insectos, aves, árboles, etc.

Algunas de sus exposiciones de los últimos años son :

-Exposición colectiva en la galeria Cold Creation en Barcelona ,España.
Con la participación del video “ Caosnautica en el Cosmos”.

-“musica del Atractor” Dentro del IV Festival de Arte Sonoro “Habitat Sónico” por
Ex – Teresa Arte Actual de CONACULTA-INBA ,en l Galería MUCA Roma.



Paola Cisneros.

CISCO JIMÉNEZ

1969 Nace en Cuernavaca, Morelos, México.

Exponente del grotesco, la sorna y el feísmo combina la basura con el arte.
Nacido en Cuernavaca, Morelos, donde reside permanentemente sin teléfono, auto o lujos, Jiménez define su formación académica como "una mezcla de intenciones y deseos de hacer cosas". Estudió dibujo técnico, aprendió a hacer historieta con Rius, fue estudiante de dibujo Industrial en la UAM.
Su obra empezó a trascender desde sus primeras piezas: "Me gustaba hacer tlacuaches voladores en pintura y dibujo sobre papel hecho a mano. Los tlacuaches volaban sobre cascos de hacienda. Eran un producto comercial bastante aceptado. Me influenciaba bastante el entorno de Morelos. Fue mi etapa folclórica".
Cuando vivió en Nueva York nació su atención hacia la basura de la vida diaria, las cosas muy especializadas como instrumental médico o de ingeniería, y objetos muy sugerentes ya utilizados.

Su obsesión por crear a partir de los objetos cotidianos proviene de su infancia: "Yo vengo de una familia de clase media baja. Es decir, con lo suficiente, pero no como para darse lujos. Toda mi niñez transcurrió en un vecindario 'bien'. Todos mis amigos se iban a Texas o California a comprarse los últimos juguetes de moda. Nací con creatividad e hiperactividad, y lo que hacía para no frustrarme era construir mis propias versiones de sus juguetes. Se me hizo una disciplina, a veces mis amigos llegaban a envidiarme, incluso me robaban algunos juguetes. A veces yo les robaba partes de los suyos para armar los míos".
En la actualidad, Jimenéz considera que su trabajo sigue siendo como cuando era pequeño, y sus creaciones son sus propios fetiches con los que juega para después dejar libres. Su propuesta, dice, deambula en una mezcla de intenciones: "Antes de que algo guste, se recibe un puñetazo de mal gusto, de crítica, ironía y naqueza, todo al mismo tiempo y deliberadamente".

nfluido por los cómics, utiliza palabras, textos e imágenes para desarrollarlos como secuencias y series formales: "En estos dos años he estado trabajando con hormas de zapatos, en series unas conectadas con otras. Hay algunas artisticamente muy logradas y otras, contradiciendo a las primeras, son grotescas y feas. También me gustan las suelas de zapatos y el cabello."
Se autodefine: "Quiero ser un artista multidisciplinario, aunque básicamente trabajo con objetos y pinto lo que más me atrae, que es el mundo de la calle y las imágenes de la cultura popular. Decidí convertirme en algo así como un antropólogo visual que más que apropiarse de estos símbolos callejeros, los reinterpreta para reincorporarlos a otra cultura".

ESTUDIOS
1979 Instituto Nacional de Bellas Artes, Cuernavaca, Mor., México.
1980 Galería La Estación. Cuernavaca, Mor., México.
1989 Universidad Autónoma de Morelos, Cuernavaca, Mor. México.
1989-91 Universidad Metropolitana: Diseño gráfico, Ilustración, Cerámica y
Grabado en madera. México D.F.
1990 Art Students League of New York. New York Visual Arts, Bruce Dorfman.
1993 Taller de grabado de José Springer. Cuernavaca, Mor., México.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES MÁS RECIENTES

2004 “Bioterrorismo doméstico”. Centro morelense de las Artes. Cuernavaca,
México.
“DNA Cocodrile”. Galería OMR, México
2006 “Cincoañosparadecirteesto”.Saladeproyectos Galería Fúcares, Madrid.

EXPOSICIONES COLECTIVAS MÁS RECIENTES

ARCO 06 Stand Galería OMR, Madrid
"Colección SHCP" Museo de las culturas, Coahuila,México.
"A handful of dust" Anthony Reynolds Gallery,Londres, Inglaterra
"Códices contemporáneos" Instituto Cristobal Colon,Cuernavaca,México.
“Quauhnahuac”. Kunsthalle Basel, Suiza
“Cadavres Xquisitos( 8)”, OGalería, México.
ARTCOLOGNE 06. Galería Pablo Goebel, Colonia, Alemania
"Paperback: O futuro da actualidade". Centro Gallego de Arte
Contemporáneo CGAC, Santiago de Compostela.
"Colección Casa Colon" Galería de Arte del Teatro José Peón Contreras,
Mérida, México.
2007 “Otros artistas bajo el volcán”. La Casona John Spencer. Cuernavaca.
México

ROSIBEL LÓPEZ.